2021年11月第4周听书笔记回顾

一起去啊，更远的地方。

本周到达的远方：《缘缘堂随笔》、《写给大家的中国美术史》、《写给大家的西方美术史》、《白石老人自述》、《美的历程》、《废墟的故事》、《美的历史》。

01

《缘缘堂随笔》— 作者：丰子恺

丰子恺创作《护生画集》，是为了保护民族的心灵和国家的未来。

我们认识丰子恺，大概是从丰子恺的漫画中了解他的，但他还是我国现代画家、散文家、漫画家和翻译家，《缘缘堂随笔》就是他的散文代表作。

也许你会认为丰子恺的漫画缺少突破总是一个样子，觉得不能称作为大师，但是现在他的漫画却又重新流行了起来，这是因为他的漫画和文章，填补了中国艺术的空缺。

我们在丰子恺的画中能看到他的普遍的同情心，为什么这么说呢？因为当时他所处的时代正是新文化运动开始的时候，大多数作家都会因为政治而影响写作的题材，但他却始终坚持把绘画与佛法进行结合，始终独立于世。

丰子恺使用漫画这种形式来表现当时的生活场景，让这种简单写意的漫画风格能够留住人生中转瞬即逝的美好，用绘画和写作留住人生的趣味。

丰子恺的话有三个主题，一个是从艺术到生活，崇尚自然之美，二是保存儿童式的本真，三是在佛家的慈悲和博爱里寻求寄托。

《护生画集》由于和当时消灭四害的卫生运动有矛盾，所以他只能悄悄地画，但还是因此被批斗，他却也不在乎，只为了尽快完成这本佛教宣传画集，传播爱护生命观念的艺术。

丰子恺的画看似简简单单，但却能在他的画中见到复杂的悲哀和欢喜，他宁愿自己经历磨难，也要用自己微薄的力量去保护民族的心灵和国家的未来。

---

02

《写给大家的中国美术史》—作者：蒋勋

理解中国画背后的含义，就可以继承先人对于美的传统和追求，也能启发我们当代人的生活。

中国绘画分为五个时期。第一个时期是原始社会到春秋战国，这时候出现了中国最早的绘画-象形文字。由于祖先的生活日渐丰富，光靠写字不足以说清楚事情，于是文字和绘画就分开了，各司其职，绘画便主要做装饰作用。

第二个时期是东西两汉到西晋，毛笔成了中国画的工具。由于毛笔也是写字的工具，所以写字和画画开始互相影响，这个时期的绘画追求写实，欣赏春秋战国的绘画，就像看历史纪录片一样真实。

第三个时期是从南北朝到唐朝。这个时期出现了职业宫廷画师，他们服务于皇家，主要为了记录领导人的活动。到唐朝中后期，由于国家实力衰弱，他们便开始画宫廷妇女的生活，也就是仕女画。而在唐朝以后，山水就成为了中国绘画主题。

第四个时期是五代、两宋和元代。山水画一步步达到了艺术的巅峰，这个时期的奢侈画家对自然观察的十分仔细，画出的画也是非常精致。

最后一个时期是明清时期。明清市场经济非常发达，画家的题材就更加丰富了，不仅可以画宫廷画、山水画，还可以给小说画插画、甚至是纸牌，还有很多对生活场景的描绘。

中国美术从实用性到为帝王将相绘画，到表达文人政治思想，再到描绘市井生活、记录人的日常生活和情感，整个历史的演变是一条回归于人文的过程。

---

03

《写给大家的西方美术史》—作者：蒋勋

欣赏名家的画作，是为了欣赏它背后的故事，这才是它真正有乐趣和有价值的地方。

西方美术史最早可以追溯到远古时期。那时候他们会画各种神，因为他们觉得和这些神搞好关系就能够让自己生存的更好。

古埃及有2000多文位神，古希腊也有很多神，比如宙斯雅典娜等，而且他们在画神的时候会保持着各种人的原始欲望，比如宙斯会结婚生子。

到了中世纪的时候他们就开始画上帝了。虽然上帝也是神，但是神的种类已经非常单一了，基督教变成了欧洲人普遍信仰的宗教。

这时候的风格就变成了严格、严肃、追求戒律的主题，不再表达人的气质和欲望，表达的是对上帝的敬畏。

而文艺复兴时期又借着神的名义画人。因为这个时期复兴的就是古希腊古罗马那种丰富多彩，解放欲望的生活方式。但是因为此时教会的力量仍旧非常强大，所以画家们只能借着画神的名义画人，比如提香画的女神维纳斯就是一个裸体少妇的形态，身材丰满。

到了19世纪，西方画家们开始画风景画。画家们开始从房间里走出去，到户外进行写生，这时期出现了很多派系，比如印象派，抽象主义，立体主等。

西方美术的发展史是从神学，宗教，哲学到最后又回归到普通人身上，这和中国美术史发展历程一样，都是最终回归到日常生活中去了。

---

04

《白石老人自述》—作者：齐白石口述

齐白石前半生得益于传统文化的最后繁荣期，后半生处于中国艺术转型期，从而成就了他的伟大传奇。他是幸运的，但他的幸运也是中国绘画的幸运，有了他，中国绘画史上就多了一抹亮丽的色彩。

那么齐白石的画到底好在哪里呢？他能够用最简练的方式呈现自己丰富的情感，画画的时候一气呵成，不用刻意去展示自己的绘画技巧就能呈现饱满的画面。流派和手法会过时，但是他的真性情是永远不会过时的，所以他是不可替代无法模仿的。

齐白石是木匠出身，家境十分贫苦，但由于他天资聪慧，学习雕花的功夫进步很快，所以很快便闻名远近。再后来他开始学画画，不断的临摹画谱上的内容，然后擅长画画的名气也传开了。

我们现在大多数人熟知的可能是齐白石的写意画，比如下图这幅虾。

但其实他在初期也画过很多写实画，所以他的基本功是很不错的，他也曾经以给人画像为生，描绘人的容貌非常像，基本和照片一样。

虽然他在年轻的时候就已经非常有名气了，但是他一直严守民间立场，不忘自己的出身，他藐视权贵，远离官场，只和他们保持单纯的买卖关系。

齐白石在40~50岁之间先后五次离开湖南远游，去感受真山真水，揣摩名家真迹，四处游历，这使得他的画画的境界有了很大的拓展和提升，所以说行万里路对艺术家来说也是很重要的。

齐白石创作时是非常的自在和放松的，他追求真性情，完全沉浸在自己的世界里不受外界干扰，所以才能做到用简单的方法实现顶级的画面效果。

---

05

《美的历程》—作者：李泽厚

只有把审美、艺术和历史的发展联系在一起，才能真正理解中国古代艺术的美。

中国历史上有五个非常关键的社会时期，也就是商周、先秦、魏晋、唐宋和明清，解读这五个时期的不同的审美趣味，对于中国艺术之美的发展历程会很清晰。

对于商周时期的艺术品，我们看到的更多是青铜器。青铜器属于祭祀的礼器，为了供奉祖先或铭记战功。

由于那时候部落之间的战争非常多，血流成河，彼此都是崇尚暴力，歌颂血腥的，所以青铜器上有很多凶猛可怕的兽面纹，即饕餮。

在这个恐怖的神秘气息中，也反映了人类社会必须通过暴力的征服才能开辟社会前进的道路。

而到了先秦也就是春秋战国时期，中国古代社会出现巨大变革，分封制开始崩溃，诸侯国之间相互征战，土地私有制确立，士阶层开始有发展的机会。

孔子为代表的儒家学说和以庄子为代表的道家都宣扬理性思维，也就是不信仰宗教神规，而是现实的生活情感，追求内在的，精神的，理性的美。

到了魏晋时期社会出现了巨大改变，审美趣味也发生了改变，开始出现了“人的觉醒”。士大夫阶层生活优越，的东西从外部环境转向了人的内心世界，强调自己特立独行的魏晋风度。

从魏晋开始文学不再讲究实用性，而是以人为中心，以日常生活为题材来抒发感情。在书法的发展上，不再是工整的篆书和隶书，而是开始盛行草书和行书，文字变得优美而灵动。虽然草书的实用性不大，但是艺术性很强，体现了这一时期不重实用而重抒发情感的艺术特点。

到了唐宋时期，唐诗宋词开始盛行。在盛唐时期以李白为代表的浪漫主义诗歌发展了起来，而与李白年纪仅差11岁的杜甫，由于处于安史之乱，诗歌也开始重视写实，了解民生疾苦。

而宋词是为了借助于其他事物来委婉含蓄的表达内心的情感，对时事政治进行抒情感手法。不过，唐诗宋词都抒发了当时文人志士们的胸怀和意境。

到了明清时期，审美趣味却变得开始俗气了起来。《水浒传》、《聊斋志异》等都以描述世俗生活为主，这种带点庸俗的市民文学是属于城市中的小市民的。

通过对纯真爱情的歌颂，对封建婚姻的讽刺，对负心汉的谴责等，表达了当时人们想要冲破封建礼制，向往自由的愿望。《儒林外史》《红楼梦》等都是批判现实主义成熟的表现。

美是有意味的形式，是形式与内涵的结合，不同社会和历史环境赋予了文艺作品不同的思想内涵，造就了不同的艺术特色，给予了我们不同的美感。

---

06

《废墟的故事》—作者：巫鸿

对于废墟中国古代和西方的态度是截然不同的，在西方，那些残破的废墟被完整的保护起来，让你看到他当时破碎的状态。而中国，我们看到的建筑都是被整顿一新的，不像西方一样修旧如旧，而是修旧如新。

这其实是中国传统对于古代遗留的一种态度，因为中国古代的建筑基本上是木结构或者土木结构，很容易坏，必须把它修复一新才能继续使用下去。

但其实中国古代对于废墟还是有一定概念的，只是不像西方一样保存废墟本身，而是把它内化了。也就是说不一定要看到他完整保留下的废墟景物，而是对着消失的废墟进行内心的缅怀，虽然他的实体不在了，但是还在我们心里，我们会通过文学作品、画作等方式保存。。

但是圆明园废墟的出现却让中国人彻底改变了对废墟的态度。八国联军侵华战争时留下了很多圆明园的照片，他们想用圆明园的废墟照片，向全世界证明中国已经被占领了，中国已经变得残破不堪了。

但是这些照片却一下子唤醒了民众的自觉性，开启了一个新的时代，人民的意志被唤醒。非常有代表性的动作就是五四运动，激起了一众中爱国青年的反抗行动。

到1979年以后，就不断的有艺术家用废墟图像来讨论现实问题。所以说，美术史不是美术史，不仅仅是研究美，研究的还是社会、历史、战争、侵略、反抗、挣扎……

---

07

《美的历史》—作者：翁贝托·艾柯

“美”并不是一成不变的，它会在不同的历史时期，随着意识形态的改变，展现出不同的特点。

美是社会意识形态在视觉层面的体现，社会思潮中的各类风气浸润着敏感的艺术家们。所以，在他们的创作中，美在不同时代呈现出了不同的特点。

重视美德的古希腊人，强调形态之美与精神之善相结合；中世纪时欢乐的明亮色彩成为美学思想的主流，强调比例、对称的平衡之美；文艺复兴晚期浪漫主义萌芽，在19世纪蓬勃发展，美不再有固定的形式……

美是社会市场在视觉领域的体现，美的定义随着时代的发展而不断变化。

女人和美总是密不可分的，在11世纪游吟诗人的歌中，女人之美是神圣不可侵犯的。比如女神维纳斯，如天使般圣洁，充满诱惑。

在16~17世纪，女人的美走下了神坛，穿起衣服，回归到了家庭中，仙女变成了妇女，女神之美演变成了实用之美。

但是那些丑恶的、令人心生恐惧的事物，也会打破常规，可以被认为是美。比如人们常常以善为美，以那些能够使人愉悦，带来良好体验的事情为美。

丑也从来不是美的反面，站在美的对立面的是崇高。因为当我们用崇高这个词去形容一个人的时候，他做的事情往往是我们不愿意去做的。比如舍生取义牺牲自我，但是我们却不会认为他们是“美事”。

而在今日美与丑的界限更加模糊，很多事物我们不再辨别它是美或丑，而是会全盘接受。“存在即合理”，不论是美是丑，都有其存在的意义。

---

EDN

喜欢的话，记得、点赞、在看、分享呀~

欢迎添加Loluoooo交流学习~